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Mi mùsica y tù mùsica,en el sitio donde mas la difrutas. aqui en Salsa Brava la que te impregna sabor salsero indiscutible y la que dia a dia ha hecho de nosotros, las personas mas agradecidas por vuestra presencia a lo largo y ancho de nuestras fronteras, difrutenla y compartanla con todos nosotros..¡¡ De nuestro agrado serà brindarle todas esas lindas emociones y alegrìas para ustedes de todos quienes nos acompañan en este largo pero sabroso traginal de felicidad.le damos la màs cordial bienvenida y que se lleven los mas lindos recuerdos de nuestra mùsica làtina...de "Salsa Brava "...para todo el Mundo y màs nà...!!!!!!! Gozateeeeeeelo.!!!!..Sabroooooso....!!!
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sábado, 31 de octubre de 2009

Biografia: Nano Grant "EL SONERO"


NANO GRANT, Sonero de mil batallas

*30/03/1945

† 14/08/2003


Nacido en la maternidad Concepción Palacios, el 30 de Marzo de 1945, y lo bautizaron con el nombre de Octavio Ramón Palacios, pero casi nadie lo conoce por su nombre de pila sino por el de batalla, Nano Grant. Nano, aprendió a cantar en la calle, en las esquinas del barrio de esa populosa parroquia llamada San Agustín del Sur. Él junto a su primo Carlos Daniel Palacios, cantaban y animaban en cuantas fiestas se armaban en el barrio.Nano Grant, se inicia formalmente en la música en el año 1961, cuando es contratado por una agrupación llamada “Los Aventureros”, la cual estaba dirigido por Carmelo Montezuma. En principio Nano, se desempeñaba como bongosero del grupo, y luego paso ser el cantante. Es en el año 1962, que Nano Grant, realiza su primera grabación profesional con Los Aventureros, un disco de 78 rpm, en donde interpreta el tema “Ignoro tu existencia”, un numero que pegó y con el cual debutó en el año 1954, el afamado cantante Alberto Beltrán con la Sonora Matancera. En esta misma época, Nano Grant, forma parte de agrupaciones del barrio tales como: Frank y su Tribu, el Sexteto Los Crema, entre otros.En el año 1967, graba con la orquesta del “Pavo” Frank Hernández en el disco “El Pavo en Salsa”, siendo esta su primera incursión en una banda grande, en donde comparte vocalización con: Tomás Martínez “El Bobby”, Rafa Pérez, Tata Guerra y William Hernández. Su estadía con la orquesta del Pavo Frank sería muy corta, ya que al terminar la grabación del disco sale de la agrupación.En ese año 1967, hubo bastante movimiento en la carrera musical de Nano Grant, ya que ingresa a la orquesta de Porfi Jiménez, pero ya antes había grabado en el primer y único disco de un sexteto del 23 de Enero, llamado “Los Brothers”, el cual estaba dirigido por el pianista Pedro Landaeta, conocido en el medio artístico como Peter William. Con el maestro Porfi Jiménez, logra grabar en varias producciones, entre ellas se encuentran: “Porfi 67’ Salsa & Boogaloo” , "Porfin Porfi "(1968) y “Quinceañera”(1968).Después de su transitar por la banda de Porfi, se integra a la orquesta “Los Dementes”, la cual para ese entonces estaba bajo la dirección del pianista Ignacio Navarro, ya que Ray Pérez se encontraba en Nueva York, graban entonces dos Lp, bajo el titulo de "Los Nuevos Dementes", en donde uno de los temas más recordados es el famoso "Guaguanco a Marín", en tributo al barrio que lo vio crecer.En esta etapa de los años setenta Nano Grant, participa como vocalista en distintas agrupaciones de la capital como la de Andrés y sus Estrellas, con el cual graba un disco en el año 1976, estuvo también con La Sonora Hípica, con el Sexteto Los Compadres, entre otras. Y finalizando esta década, específicamente en el año 1979, realiza una excelente grabación con la orquesta Antillana, titulada “Nano y la salsa cubana”. Más tarde, en el pueblo de Santa Lucia, fundaría la orquesta Epa, con la cual graba un disco. Luego se integra al Grupo Madera, después de la conocida tragedia. Con el Madera, graba en el segundo disco. Nano Grant al igual que tantos músicos venezolanos, participó en las famosas descargas de los barrios, dejando ver su gran calidad como sonero.En el año 1991, Nano graba con la Banda Sigilosa en la producción “Rumbacumlaude”, donde interpreta un sabroso guaguanco callejero titulado “Superman”. Luego se integra a la agrupación “Cadáver exquisito”, con la cual trabaja por varios años y en donde dejaría su voz grabada en un excelente disco en vivo desde la Terraza del Ateneo de Caracas, en Octubre del 2000. Para muchos esta sería la última grabación de Nano Grant, pero no obstante este gran sonero de mil batallas, unos meses antes de estar quebrantado de salud, grabó en un disco con una de las tantas agrupaciones que alegran las noches caraqueñas, “Emsamble 2”, en donde vocaliza con gran estilo el tema de Alejandrina Ramos, “Canción con todos”, en homenaje a sus hermanos del Grupo Madera.Este gran sonero además de sus múltiples actuaciones en distintos escenarios venezolanos, también tuvo la oportunidad de realizar giras artísticas a Puerto Rico y Santo Domingo. Es posible que se nos hayan escapado algunos nombres de agrupaciones en las cuales cantó y soneó Nano Grant, ya que era una persona muy entregada a su profesión de músico, y solía presentarse en diferentes locales nocturnos dedicados a música latina. Nano Grant, muere el 14 de Agosto del año 2003, dejándonos un excelente legado musical y para muchos quizás fue y es el mejor sonero venezolano.

viernes, 30 de octubre de 2009

Biografia: DORIAN ALBERTO GREY (D.A.G) "RENACIENDO"


Nombre: Dorian Alberto Urdaneta Valbuena.
Nombre Artístico: Dorian Alberto Grey ( D.A.G ).
Fecha de Nacimiento: 11 de Abril de 1977.
Lugar de Nacimiento: Maracaibo, Edo-Zulia. Venezuela.
Edad: 32 años.

Un 11 de abril de 1977 nace en Maracaibo-Edo Zulia Venezuela, Dorian Alberto Urdaneta Valbuena conocido en el medio musical como Dorian Alberto Grey ( D.A.G ), como toda persona natural Dorian Alberto, comienza sus estudios a la edad de 3 años estudiando en un colegio de su región llamado Colegio Cagigal donde pasa todo su Pre-escolar y su Primaria en su infancia hasta llegar al 1er. Grado de estudios diversificados donde pasa a otra institución llamada U.E don Simón Rodríguez donde en el 2do Grado de estudios diversificado comienza su experiencia musical y participa en concursos liceístas de música venezolana a la edad de 13 años estos concursos se hacían a nivel regional donde gana el primer puesto en la final del concurso pasando así a los Festivales a nivel nacional donde también se impone como ganador, Luego como Campeón de los eventos hace una gira a nivel nacional pasando por los Colegios y Liceos de cada Estado a nivel nacional.

A los 14 años participa en el concurso regional de Gaitas de la ciudad ( Maracaibo-Edo Zulia ) donde también gana el Primer lugar, de allí en adelante comienza su trayectoria Profesional cuando a los 15 años es llamado como solista de la agrupación Galenos de la Gaita un grupo Profesional reconocido en su ciudad de origen donde se queda por 2 años trabajando y al mismo tiempo estudiando su 3er,4to y 5to Grado diversificado en la U.E Thomas de Heres donde se gradúa de Bachiller.
A los 17 años pasa hacer parte de otras agrupaciones regionales de gaitas tales como: Sensación Gaitera, Acumbaye y otros. Sigue estudiando en la Universidad La carrera de Electricista Industrial, Luego a los 18 años pasa hacer solista principal de la Orquesta Scala 7 de género de Salsa Brava donde graba por primera vez, un tema compuesto por Kelvi Pirela su compañero en la orquesta y amigo. El tema llamado Padre Soltero Arreglado por el Maestro y Pianista reconocido Cesar Croes ( El Conejo ) y la vez también trabaja en un puesto de comida rápida donde el mismo es el dueño.
Perdura en esta Orquesta como 2 años hasta que se disuelve y es llamado para la Orquesta Media luna a la edad de 20 años luego pasa hacer parte de la Orquesta Eclipse donde Graba 3 temas compuestos por el Arreglista Esthef Nuñez dueño de la misma haciéndolos también en Genero de Salsa Romántica, A los 21 años nace Orianna Claret hija del cantante el 22 de octubre de 1998 la luz de sus ojos y su Ángel como él la llama, luego a los 22 años pasa hacer parte de una Agrupación Folklórica muy reconocida en la región y a nivel nacional donde también trabaja como solista y director musical llamada a su vez Tambores de Ibangala al mismo tiempo alterna con la Orquesta La Única y Sentimiento Tu, A los 25 años incursiona de nuevo en la Gaita con el Grupo DE-K-DA grabando 5 temas del compositor y cantante Elvis Nava reconocido también en la región Zuliana por sus temas con la Orquesta Carángano en ese mismo año participa con el Grupo Verada Gaitera y Estrellas del Zulia hasta ese año Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) se encuentra en el medio musical lamentablemente deja la música por problemas personales y sigue trabajando como taxista y estudiando en la Universidad luego ya a punto de graduarse comienza a trabajar en una Empresa Petrolera desempeñando el cargo de Electricista Rebobinador de Motores industriales y por medio de lo divino y lo espiritual retoma su camino en la música cuando Dios nuestro creador Padre celestial lo escoge para utilizarlo como instrumento para llevar sus mensajes al mundo y deja de trabajar para retomar sus raíces musicales, comienza de nuevo a los 30 años entrando como solista principal de la Orquesta Clave 7 donde graba un tema del cantautor Elvis nava su colega, maestro y amigo .
Pasa la etapa de Clave 7 que le sirve de fogueo para empezar de nuevo y Dios le brinda el talento para componer y así complementa su labor como Cantautor y es cuando con la confianza que Dios le brinda se atreve a realizar su Primera Producción como Solista y compositor de sus propios temas colocándose su nombre natural añadiéndole el grito de guerra de su ciudad que es grey que viene del alza de la voz de su región cuando se independiza y se le llama: La Grey Zuliana.

Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) es el nombre del primer solista salsero que sin estudios musicales ni de canto ha logrado producir música de alta calidad y de un contenido muy completo. Es el Primero en hacer una Producción completa e inédita de su Autoría y Composición en el Género de Salsa Brava en el estado Zulia-Maracaibo.
La Producción que se titula Renaciendo, viene del nuevo comienzo y del regreso del Cantante y contiene 8 temas inéditos de los cuales 6 de ellos son de su Letra y Música añadiéndole uno de los temas al disco que grabo con la Orquesta Clave 7 del Cantautor Elvis Nava y el segundo en añadir del Maestro, Arreglista y Compositor Alfredo Franco conocido musicalmente como; Al Franco. También Arreglista de todos los temas en la Producción Renaciendo.
En la Producción Renaciendo participan músicos de categoría y de excelencia en ejecución de cada instrumentos todos profesionales como por ejemplo: Alejandro Ávila ( Pianista ), José Luis Chacin conocido como ( bibi ) , ( Pianista ), Johan Morales ( Pianista ), Al Franco en los Bajos, José Lorenzo Jansen conocido como ( Pachin ), en la percusión de todos los temas, en los metales tenemos:
Kender Medina Excelente (Trompetista) y en los Trombones al Virtuoso Jiovany Morales entre otros más que participaron en esta Producción que con devoción a Dios y esfuerzo lograron brindarle la efectividad a los arreglos del Maestro Al Franco y a través de la amistad de tanto tiempo apoyar el talento de este Virtuoso Cantautor que en su haber tiene como 80 canciones inéditas fuera de las 6 canciones que grabo en su primera Producción y sigue Componiendo a medida del tiempo.
Este Cantautor también se está dando a conocer por medio de otros Artistas como por ejemplo: Bonny Cepeda de República Dominicana ya consagrado en el ambiente musical extranjero donde le brinda de su letra y música 2 de sus canciones y también con Artistas nacionales como Gustavo Nucette donde también le brinda 2 temas y Rony que se encuentran Grabando sus temas actualmente.
En lo Familiar este Cantautor tiene a sus Padres vivos quienes le han tendido la mano para que pueda lograr todas sus metas, sus 4 hermanos 3 de ellos varones y 1 hembra donde todos tienen el Don musical y lo desarrollan. Actualmente su hermano Rony que es su nombre Artístico también está incursionando en el ambiente ya que también tiene una trayectoria musical extensa y profesional donde se encuentra grabando temas compuestos por su hermano ( DAG ). Mientras que otros 2 son pianistas concertistas infantiles y están en el proceso musical educativo.
Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) a compartido y a tenido la experiencia de alternar con Artistas como: Oscar D’Leon, Argenis Carruyo, Los Blancos, Guaco, Carángano, Adolescentes, Combinación 77, Dimensión Latina y Mana entre otros.
En el Género de la gaita a compartido tarima con Agrupaciones tales como: Cardenales del Éxito, Gran Coquivacoa, Estrellas Del Zulia, Galenos de la Gaita, Birimbao y muchos más.
Dorian Alberto Grey ( D.A.G ) reconocido por sus colegas y amigos como un talento virtuoso, persona humilde, Creyente fielmente en Dios, Paciente, Amoroso, Familiar, de respeto por los demás, también a dedicado su experiencia en ayudar aquellos que comienzan y bridarles su talento como cantante participando en coros y producciones musicales sin ningún interés propio ni económico.

Dorian ( D.A.G ) fiel amante del Genero de Salsa Brava Actualmente reside en la ciudad de Maracaibo donde en estos momentos se encuentra de Gira Promocional por todo el Territorio Nacional visitando, exponiendo su música a través de los medios de Radio y Televisión y afines tratando de poner en alto el talento nacional tanto en su país como en el extranjero, comunicándose por medio de la música de más alto nivel como lo es la Salsa Brava……
Para ver y escuchar a Dorian Alberto Grey puedes visitar y solicitar su cuenta en facebook por medio de su nombre Artístico, también puedes encontrar más información por e-mail Artístico:Dag.cantautor@hotmail.com Para contrataciones telf.: 0424-2337216\0261-3294920 También para obtener su Producción discográfica puedes llamar a los mismos telf. De Contrataciones.

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Biografia: Vitín Avilés


Cantante y Compositor

Nombre verdadero : Víctor Manuel Avilés Rojas

Fecha de nacimiento : 30 de septiembre de 1924

Lugar: Barrio San Silvestre, Mayagüez , Puerto Rico

Falleció el 1ro. de enero de 2004 en Manhattan, Nueva York (EE.UU.)

La trayectoria artística de Víctor Manuel Avilés Rojas, conocido por todos como Vitín Avilés, abarcó fructíferas pasantías por varias de las más célebres orquestas exponentes de la música afroantillana , colaboraciones discográficas con otras tantas y exitosas etapas como solista. Este admirado cantante fue calificado por los críticos más exigentes como tan buen rumbero como bolerista . Dicho en palabras claras, se trata de un intérprete versátil y de estilo único. A juicio de muchos de sus seguidores, su mayor mérito lo constituyó haber sido seleccionado por Xavier Cugat como vocalista del álbum “Merengue by Cugat !” (CBS, DKC-10454), grabado en 1955, respondiendo a la petición del entonces dictador dominicano Rafael Leonidas Trujillo. Tal producción sigue siendo considerada la más exitosa, a nivel mundial, en la historia del merengue.

Irónicamente, el nombre de Vitín Avilés alcanzaría pleno cartel estelar a partir de 1974, luego de más de 30 años de intenso quehacer artístico, durante los cuales intervino destacadamente en cerca de 40 álbumes de música cubana tradicional y salsa, acompañado por bandas y conjuntos estelares. Aquel año grabó el disco de boleros “Canta al amor” (Alegre, SALP-8676) que generó tres exitazos: “Fui más leal” y “¿Por qué ahora?” (de Bobby Capó) y “Temes” (de Tite Curet Alonso). Esta producción es considerada un clásico de la discografía nacional.

Vitín Avilés era un músico intuitivo. Jamás estudió canto ni instrumento alguno. Nació el 30 de septiembre de 1924 en el barrio San Silvestre, Mayagüez. Durante su temprana juventud ejerció el oficio de barbero que aprendió con su progenitor, al tiempo que hacía sus pinitos como aficionado en diversos programas de la radioemisora WPRA en su natal Mayagüez. Por su privilegiada voz, se le anunciaba pomposamente como « Mojiquita », remoquete con que se pretendía compararlo con el aclamado tenor mexicano José Mojica .

En 1943 emprendió su carrera profesional al incorporarse a la Orquesta Hatuey , dirigida por el pianista William Manzano. Con aquella organización, en la que también figuraba Mon Rivera, estuvo cerca de un año. Y, luego de varios meses en Orquesta Anacaona , del pianista cubano Abdías Villalonga, decidió radicarse en San Juan, en 1944.

En la Ciudad Capital encontró rápidamente acomodo en la naciente orquesta del trompetista Miguelito Miranda. Fue acompa?ado por esta banda que, en 1947, grabó un disco por primera vez. Tal placa (78 rpm ) contenía la guaracha “La televisión”, en cuya letra sus autores, los cubanos Tony Fergo y José Carbó Menéndez, anunciaban la llegada a Latinoamérica del que sería considerado “el invento del siglo”. Pocos meses después, nuestro biografiado decidió establecerse definitivamente en Nueva York que, entonces, era una de las plazas más importantes para los músicos hispanos.

En la Gran Urbe agotó una pasantía de doce años (1947-1959) con la famosa orquesta del cubano Pupi Campo, también cantante. No obstante, en el interín colaboró en grabaciones con la Lecuona Cuban Boys , Machito & His Afrocubans , las encabezadas por Enrique Madriguera, Moncho Usera , Tito Puente y Tito Rodríguez, así como con Payo Alicea & Sexteto La Playa, el Cuarteto Marcano y, como apuntamos al principio, con la gran banda de Cugat.

Culminado su ciclo con Pupi Campo, este talentoso puertorriqueño fue reclutado por su compatriota Noro Morales, con cuya orquesta trabajó en muchas ciudades de Estados Unidos y en Puerto Rico. Desde 1959 hasta el fallecimiento de aquel virtuoso pianista, actuó permanentemente en el Hotel La Concha, en San Juan, aunque mantenía su residencia oficial en Nueva York . Posteriormente, fue vocalista oficial de la batuteada por Usera (1964-1965); dirigió su propio combo y grabó como solista para los sellos Seeco y Musicor , así como con Steve Hernández y Su Orquesta Latinoamericana (1970). Durante el período 1971-1975 – además de actuar frecuentemente frente a su grupo – fue habitual en la nómina de la banda de Charlie Palmieri . Con éste se acreditó tres exitazos: las guarachas “La vecina” y “La hija de Lola” (originales de Raúl Marrero ) y el bolero “Dueña de mi corazón”, de Pepé Delgado.

A su álbum mejor vendido, “Canta el amor”, cuya producción dirigieron Tito Puente y Joe Cain , le siguió el titulado “El mensajero del amor” (ASLP-6004), editado por Alegre Records en 1975 y cuya dirección musical se delegó en el argentino Horacio Malvicino . A raíz de aquellos lanzamientos se recrudeció una vieja polémica basada en la similitud de su estilo y de su timbre vocal con los de Tito Rodríguez. ¿Quién imitaba a quién? Tal era la incógnita que muchos admiradores de ambos anhelaban develar. Pero, en realidad, ninguno intentó jamás imitar al otro. Todo era pura coincidencia. Se recuerda que, en 1954, compartieron la grabación de un disco con cuatro canciones en 33 rpm . Y, cuando cada cual hacía solos, hasta a los más fervorosos seguidores de ambos les resultaba difícil diferenciarlos. Por otro lado, tanto Vitín como Tito, amigos desde muy jóvenes, disfrutaban de la controversia que había surgido en torno a ellos y nunca uno acusó al otro de pretender imitarlo, aunque la mayoría de los coleccionistas y conocedores seguirían insistiendo en que la característica de acortar la duración de las notas “dejándolas caer” y entonar semi -hablando las melodías, así como el peculiar timbre vocal que guiara al estrellato a Tito Rodríguez se evidenciaron primero en Vitín Avilés.

Desafortunadamente, la compañía Fania – que había adquirido el catálogo Alegre – no dio seguimiento al impacto de aquellas producciones bolerísticas que hubieran encaminado a este gran cantante hacia la consagración definitiva. Además, en Nueva York , Puerto Rico, Venezuela y otros mercados importantes la radio limitó la difusión de música romántica para dar paso a la balada pop, forzándolo a concentrarse en el ámbito salsero. En 1979 grabó en Caracas el álbum “ Vitín Avilés con la Súper Orquesta Venezuela” ( Velvet , GS-3007), compartiendo las vocalizaciones con Nelson Pinedo y Nelson Alizo , éste último, también pianista, arreglista y director de la referida banda. A partir de los 80 dedicaría la mayor parte de su actividad musical al trabajo de estudio, integrando los coros en grabaciones de otros artistas. Con cierta regularidad se presentaría en salones de baile acompañado por diversos conjuntos.

Vitín Avilés contrajo nupcias con la dama Isabel González en 1983. De su primer matrimonio es fruto Víctor Manuel Jr . (n. en 1944), quien se desempeña como mecánico de la empresa Norelco . Tiene otro hijo, Christopher (n. en 1979), que es adoptivo. Hasta el 2000, había grabado 50 álbumes como cantante de orquestas estelares y en calidad de solista. Sus colaboraciones con otros solistas y agrupaciones salseras integrando los coros sobrepasaron el centenar.

El artista mayagüezano que se conoció en el ambiente como “El Cantante del Amor” falleció el 1ero. de enero de 2004 en un hospital de Manhattan en la ciudad de Nueva York.

Biografia: Joe Ruiz "El Duro de la Clave"

Joe Ruiz nació en la población oriental de Pariagúan el 17 de Julio de 1948. Desde pequeño evidenció sus aptitudes para el canto y su disposición para subir a los escenarios a cantar. Trasladado con la familia a Caracas, Joe, cuyo nombre de bautismo fue Búlmaro José Ruiz Barrios, se integró a diferentes grupos amateurs en ese movimiento naciente de la salsa. Debutó profesionalmente a los 19 años, el 25 de Julio de 1967, durante las festividades del cuatricentenario de la fundación de Caracas, fue en la Pastora. A las pocas semanas ya estaba grabando con “los Juniors Star”, agrupación que lideraba Kiko Pacheco. Con “los Juniors” permaneció un buen tiempo y graba dos discos. Para finales de la década de los sesenta pasa a formar parte de “Federico y su Combo Latino”, en donde logra grabar en tres producciones discográficas, la ultima de ellas denominada “Vibración y Ritmo”, donde él numero musical titulado “el cobrador”, pega de tal forma en Colombia, y así viajan a este vecino país para realizar presentaciones en las fiestas de carvanales. En el año 1972, Joe, entra a la orquesta de Cheo Palmar “Las Estrellas Latinas”, grabando en el segundo y tercer disco de esta agrupación y compartiendo vocalización entre otros con el Negrito Calaven, Canelita Medina y el mismo Cheo Palmar. En el año 1974 graba un disco en homenaje a Benny More con la “Orquesta Sabor Típico”, en donde participaron entre otros músicos, Rafael Araujo, El pollo Gil, Pepe el mexicano y Carlos Daniel Palacios en los coros. En este mismo año Joe Ruiz, integra la "Orquesta Rumbón diez", bajo la dirección de Mon Carrillo y grandes músicos como Cheo Navarro, Rafael "Muerto" Silva, José "Flaco" Bermúdez, Gustavo Quinto, Luis Pérez, Edy Toro y otros. El año 1976 es el más movido en la carrera profesional de Joe Ruiz, ingresa a las filas de la Orquesta del maestro Porfí Jiménez, donde permanece aproximadamente diez meses. Paralelamente a esto Joe, ya se encontraba ensayando con el “Grupo Mango” y finalizando el año graba su primer disco con este gran sexteto.

Joe Ruiz con el Grupo Mango

El Mango alcanzo a ganar el premio al mejor sexteto del mundo, latiéndole en su propia cueva al sexteto de Joe Cuba. En ese mismo año 1976, el negrito Joe, graba bajo la tutela del pianista peruano Alfredo Linares, un disco con gran derroche de salsa y sabor, titulado “Alfredito y sus Estrellas”, que por la falta de difusión paso desapercibido por el publico melómano. Al año siguiente continua la carrera avasallante de Joe Ruiz con su ingreso al “Trabuco Venezolano”. El Trabuco bajo la dirección de Alberto Naranjo reunió lo más representativo de los cantantes e instrumentistas del ámbito musical caraqueño. Joe graba en las tres primeras producciones de esta superbanda, reviviendo temas tradicionales venezolanos como: El muñeco de la ciudad y el Cumaco de San Juan. En el año 1979, graba otra producción con el Grupo Mango y trabaja también con “La Banda y su Salsa Joven”, en la producción “Tremenda salsa con la banda”, vocalizando el numero “En mi humilde barrio”. En ese mismo año Joe Ruiz y el Bobby son los vocalistas del disco de la “Orquesta La Monumental”, cuyo director era Roy Herrera, los arreglos y la mayoría de las composiciones estuvieron a cargo de Héctor Poleo. En el año 1982 participa en una grabación de Jorge Beltrán y Los Peñiques. Luego al año siguiente graba un disco para el sello Sonografica titulado “Joe”, donde sigue evidenciando su gran calidad como sonero.

Joe Ruiz con el Trabuco Venezuela

La orquesta “Café” en 1986, la Orquesta de Charangas en 1988 y su participación en la banda de Gerardo Rosales en 1990, marcan la etapa final de la vida profesional de Joe Ruiz. La salud, ya resentida, comenzaba a trastocar los planes del sonero. Sin embargo, apartando un poco el trasnocho y la intensidad vital. Joe Ruiz se dedicó con ahínco al gremio al que perteneció siempre. Luchó al lado de muchos de sus compañeros y alcanzó la Secretaria General de la Asociación Musical para el periodo 1993-1995. Falleció el 18 de Febrero de 1995, sin culminar su gestión gremial, pero dejando logros y proyectos de organización y protección al músico. El querido vocalista, llamado por sus compañeros “El duro de la clave” pues respetaba mucho el sentido del ritmo, llegó a cantar al lado de Ricardo Ray y Bobby Cruz, Jhonny Pacheco, El Gran Combo de Puerto Rico, Tito Puente y José Fajardo. Con todos ellos dejo muy en alto sus condiciones vocales. Nota: Joe Ruiz, ya quebrantado de salud, comenzó a grabar un disco de boleros, bajo el arreglo de Roberto González, el cual no pudo concluir. Esperemos que algún día salga a la luz publica, algo editado de este material, como un homenaje a quien en vida y aún después de fallecido es considerado uno de los mejores “soneros” de Venezuela “el duro de la clave” , JOE RUIZ.

Joe Ruiz con la Orquesta Cafe

miércoles, 28 de octubre de 2009

Biografia: Carlín Rodríguez

Su nombre de pila es Carlos Asicio Rodríguez Villasana, pero en el ambiente musical venezolano lo conocemos como “Carlín”, apodo este que le colocará el finado Fidias Danilo Escalona, en los años sesenta. Carlín Rodríguez nació en Caracas el 17 de Noviembre de 1939. Su inquietud por la música comienza desde niño, cuando cantaba en los actos culturales de la escuela. Pero según nos relata el propio Carlín, su vocación musical crece, cuando una vez siendo todavía un muchacho, el gran Benny Moré, se estaba presentando en el famoso Teatro Alameda de San Agustín del Sur, y al terminar el espectáculo esté se dirige hacia un pequeño bar que se encontraba justamente detrás del teatro, el sitio era conocido como “La Atarraya”. Allí estaba el Benny, tomándose unos tragos y cantando con su guitarra, y de repente alguien le dijo “aquí tenemos un chamo que canta muy bien”, llamaron a Carlín y cantaron a dúo el tema “Alma Libre”, que había grabado antes con Alfredo Sadel. Después de haber cantado el Benny le coloca la mano en el hombro a Carlín, como diciéndole que bien lo haces muchacho, esté gesto marco definitivamente la vida de Carlos Rodríguez, quien según nos cuenta fue algo así como su bautizó en la música.Posteriormente a esto, ya para el año 1956, varios jóvenes del barrio deciden formar una agrupación musical a la cual la llamaron “Las Estrellas del Trópico”, sus integrantes eran: Frank Rengifo, Cesar Mosquera, Marcial León, José Naranjo, Julio Barrios, Melquíades Torrealba, Cruz Alvarez y Carlín Rodríguez.Con este grupo fueron a concursar en un programa de televisión llamado “Lo de hoy” conducido por el finado Renny Ottolina y era trasmitido todos los días desde las siete de la mañana. Fueron varios días de competencia pero al final “Las Estrellas del Trópico”, tuvieron la fortuna de ganar el concurso y la premiación fue una semana de contrato en Radio Caracas Televisión y al mismo tiempo la Asociación Musical los carnetizó, es decir los hizo profesionales.

Después de este concurso, a principio de los años sesenta Carlín Rodríguez debuta profesionalmente como cantante con la Orquesta de Próspero Díaz, con la que tocaban en muchas fiestas familiares, utilizando en su mayoría el repertorio de la Sonora Matancera. Luego, de su paso por está orquesta Carlín, trabaja con varios grupos amateurs de la capital, como el “Quinteto Vitola”, en donde tocaban música popular, hasta que es llamado por Leonardo Pedrosa, para que formara parte de su orquesta “Los Caciques”, en donde permaneció aproximadamente tres años.En el año 1964, se separan varios músicos de “Los Caciques”, y por iniciativa del finado Roberto Montserrat, nace el Combo Latino. Estos logran grabar un 45 rpm, con los temas: “En Cadenas” y “Yo vendo unos ojos negros”, vocalizados por Raúl Mayora, cantante de San Agustín que luego se marcharía para Europa y nunca más se supo de su existencia. Carlín Rodríguez y el Bobby son los encargados de hacer los coros en dicho trabajo.

Era el año 1966, y en el ambiente musical caraqueño ya se escuchaban los buenos comentarios acerca del Combo Latino. Sin embargo, nos relata Carlín que había la necesidad de varios instrumentos y uniformes para el grupo. Es cuando un día apareció Federico Betancoar habló con Roberto Montserrat, quién era director del Combo, ambos llegarón a un acuerdo económico, y deciden llamar a la agrupación “Federico y su Combo Latino”, e inmediatamente graban un 45 rpm en donde incluyen los temas: “Conmigo” y “Celosa”, en la voz de Carlín Rodríguez, que luego serían complemento para el primer Lp titulado “Llego la Salsa”, siendo este el primer disco en utilizar el término “Salsa”. Los cantantes en esta producción fueron Dimas Pedroza y Carlín. Luego en ese mismo año 1966, graban el Lp “Salsa y Sabor”, posteriormente el disco “Mas Salsa”(1967).

En el año 1968, Carlín Rodríguez sale del Combo Latino y entra el cantante Oswaldo Rey. Ese mismo año Carlín es llamado por su amigo y colega Ray Pérez, y graba en el segundo disco de los Calvos “Y que calvos”, y en el primer disco de “Los kenyas”.
En el año 1969, Carlín por invitación de Richie Ray y Bobby Cruz viaja a Nueva York, pero antes deja grabada su voz en la producción del “Pavo” Frank Hernández, “Mi nuevo sonido”(1969). En apenas su primera noche en N.Y, Richie y Bobby, llevan a Carlín a una de sus presentaciones en un famoso club de la ciudad, en donde Carlín Rodríguez, interpreta en tarima el tema “Las Caraqueñas”, del finado José Quintero.

En Nueva York, se consigue con otro venezolano Johnny Sedes, quien lo invita a grabar en la producción “Mama Calunga”(1969), e interpreta el tema: Guajira Dancers”, acompaña en este disco a dos grandes vocalistas, Chirivico Dávila y al también venezolano Leo González. Para el año 1972, Carlín regresa a Venezuela, e ingresa en las filas de la Orquesta del maestro Porfí Jiménez en sustitución de Nano Grand.En el año 1974, vienen por primera vez a Venezuela las Estrellas de Fania, y se presentan en Nuevo Circo de Caracas, alternado con una orquesta de músicos venezolanos ensamblada por Porfí Jiménez, a la cual le colocaron el nombre de “Las Estrellas de Venezuela” y los vocalistas eran: Freddy “Coco” Ortega, Chico Salas y Carlín Rodríguez.
En 1975, graban la producción "El Rico Sabor de Porfi", en donde se mantenian los mismos vocalistas: Coco, Chico y Carlín.En 1976, el maestro Porfí Jiménez, graba dos producciones, “Tiene de todo Porfí” y “Salsa Venezolana” en donde los vocalistas eran: Carlín Rodríguez, Coco Ortega y Joe Ruiz quién entra en sustitución de Chico Salas.



Ricardo Quintero, Carlos Daniel Palacios y Carlín Rodríguez, grabando con el Trabuco Venezolano.

Al año siguiente es decir 1977, Carlín es llamado para integrarse a “El Trabuco Venezolano”, grabando en los dos primeros discos de esta sensacional orquesta. Paralelamente a esto, Carlín Rodríguez continua trabajando con la orquesta de Porfí Jiménez.

Finalizando de la década de los años ochenta, Carlín es nuevamente invitado a grabar en compañía de su gran amigo el negrito Calaven, en una producción titulada “El Milagro”, con la Orquesta Los Dementes de Ray Pérez. Allí se destacó interpretando los boleros “Cuando te vayas” , “Caminemos hasta allá”, y el sabroso tema “Aquí estoy de nuevo”, cantando a dúo con Calaven, quien a su vez deja grabada su incomparable voz en una sensacional versión del tema: “Convergencia”. Esta fue la ultima grabación en vida del gran Calaven.

En el año 1999, Carlín Rodríguez, viaja a Cuba y participa en el Festival de Boleros de Oro, y a raíz de esto graba un excelente material discográfico con diferentes agrupaciones cubanas, entre ellas podemos nombrar al “Sexteto Bayamo”, “La Orquesta Tempestad Latina” y “Hora Buena Banda Show”.

Carlín Rodríguez, sigue activo en sus actividades artísticas y recientemente fue nombrado Patrimonio Cultural de la Gran Caracas, condecorado en acto público por la Alcaldía Mayor, gracias a su gran aporte como Coordinador de Eventos Culturales en la Parroquia San Agustín.


Orlando "Watussi" Castillo, Felipe "Mandingo" Rengifo, Carlín Rodríguez, Carlos Daniel Palacios y Freddy "Coco" Ortega, en la Descarga de Los Barrios.

Biografia: Willie Rosario "Mr. Afinque"


El músico Willie Rosario es una de esas figuras del pentagrama de la salsa que han cargado sobre sus hombros la lucha por la permanencia del género, lidiando contra las adversidades que, en muchas ocasiones, impone el mercado artístico.
A sus 74 años de edad, el veterano percusionista aún mantiene viva la más arraigada tradición del quehacer salsero, ostentando una agrupación que por más de cuatro décadas ha cultivado un historial musical colmado de éxitos.
Su propuesta artística, montada sobre el patrón armónico de cuatro trompetas y un saxofón barítono, se consolidó temprano en los años 60, luego de haberse nutrido de múltiples experiencias como líder de orquesta y bajo la sombra de la agrupación de Johnnie Seguí.
Se formó como guitarrista
Natural del pueblo de Coamo, donde nació el 6 de mayo de 1930, en la calle Ramón Emeterio Betances, Fernando Luis Rosario Marín, su nombre de pila, comenzó sus pasos en la música atraído por el sonido de la percusión.
Recuerda que al salir de la escuela, con siete años de edad, solía entretenerse tocando sobre unas latas de galleta en el balcón de su casa, imitando el sonido de las orquestas de Rafael Muñoz y el Sexteto Puerto Rico.
Su madre, asombrada por la pasión artística del niño, no dudó en enviarlo a estudiar guitarra, tan pronto se anunció en su pueblo la inauguración de la primera escuela de música, en el año 1942.
Para entonces, Willie Rosario tenía 12 años de edad y aprendió a solfear y familiarizarse con el valor de las notas musicales gracias al empeño del profesor Juan Suárez, el único maestro de música que había en el pueblo.
"Las clases tenía que tomarlas fuera del salón porque cuando se creó la escuela yo estoy graduándome de noveno grado y estaba pasado de edad. Sin embargo, Juan Suárez me atendía detrás de la cortina donde estudiaba Bobby Valentín, Willie Rodríguez, Luis Manuel Rodríguez y Carlos Luis Martínez ('Coamito')", comenta.
Recién cumplidos sus 15 años de edad, logró su primera experiencia musical junto a un grupo de amigos de su pueblo que habían formado el Conjunto Coamex y en el que necesitaban un bajista.
"Yo sabía un par de tonos en la guitarra y cuando hacen el grupo no hay quien tocara el bajo, y yo lo hice tocando los acordes de la guitarra", asegura.
Esa experiencia, aunque efímera, fue importante en su formación y determinante para lo que años más tarde desarrollaría en la ciudad de Nueva York.

Obrero, militar, artista y periodista
Willie Rosario abandona el país junto a su familia en el año 1947, como consecuencia de la estrechez económica de la época, situándose en la "Gran Manzana" al igual que otros miles de puertorriqueños para quienes la emigración representó una alternativa para mejorar su condición de vida.
A su arribo a Estados Unidos trabajó de obrero en el Departamento de Correos de la Joyería Cartier –ubicada en el privilegiado sector de la Quinta Avenida de Manhattan–; también laboró en la fábrica de gabinetes de oficina Arts Steel Company y fue comisionista de bodegas. Años más tarde, se enlistó en el ejército, justo en el periodo en que se gestó la agresión contra Corea.
Siendo militar, Willie Rosario fue de visita en una ocasión al salón de baile El Palledium y quedó deslumbrado al ver a Tito Puente tocando los timbales de pie.
"Nunca lo había visto (a Tito Puente) y me entusiasmó su estilo, por lo que decidí que quería aprender a tocar percusión y comencé clases con un judío que se llamaba Henry Adler y con un músico famoso de esos años de nombre Willie Rodríguez, hermano de Augusto Rodríguez, el fundador del coro de la Universidad de Puerto Rico", narra.
Tras concluir sus años de soldado, en 1952, regresó a Puerto Rico a visitar a su familia, estadía que se prolongó por un año al ser convidado a formar parte de la orquesta Fiesta, en calidad de baterista, sustituyendo a Mon Rivera.

"Cuando llegué a Coamo había varios muchachos del pueblo que habían hecho un grupo. Estaba 'Coamito', Waldo Seda y Luis Guillermo Ortiz, y con ellos estuve un año y también hice algunas cosas con tríos y conjuntos de poco reconocimiento y sin nombre", dice el músico, quien retornó a Nueva York en 1953 para cumplir unos compromisos con la orquesta Fiesta y decidió no regresar a Puerto Rico.
Ese mismo año conoció a Johnnie Seguí, quien le ofreció trabajo en su orquesta, que para entonces había establecido una pauta en la sonoridad latina, al armonizar su grupo con el sonido de cuatro trompetas antes de que esa fórmula fuera utilizada por Tito Puente y Tito Rodríguez.
"Ahí tuve mi escuela. Aprendí de la disciplina de una orquesta, a ser responsable, honesto, a manejar un grupo y a vestirme bien. Ésa fue la base para formar mi agrupación", sostiene.
Junto a Johnnie Seguí grabó el álbum "Cha cha chá", recordado por los éxitos "El bodeguero", "Duerme" y "Tati", un tema de Rafael Hernández. También hizo varios discos de 78 y 45 rpm, en los que se destacaron las melodías "Malcriada" y "Nicolasa".
En esos años también colaboró con el conjunto de Joe Quijano y el grupo del pianista venezolano Aldemaro Romero, de lo que afirma "fueron experiencias de un tiempo".
Mientras se desempeñaba como músico, Willie Rosario decidió cursar estudios universitarios e ingresó a la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Gannon, en la ciudad de Erie, en Pennsylvania, donde se especializó en periodismo radial. Como reportero obtuvo su primera oportunidad laboral en la estación radial WALO, de Nueva York, donde se inició en un programa de recetas de cocina en compañía del conocido músico Machito Grillo y su hermana Graciela.
Esa experiencia le permitió, además, conocer a los más distinguidos músicos de la época y establecer con solidez su nombre en las listas de las figuras más destacadas del mundo musical latinoestadounidense.
Marcando el ritmo
El trabajo musical de Willie Rosario es fiel a la tradición de las orquestas bailables.
Confiesa que Tito Puente le recomendó que siempre procurara que su nombre y su foto encabezaran la carátula de sus discos porque, según recuerda las palabras del "Rey del Timbal", "no es que uno sea egoísta ni mala gente, pero pon sólo tu nombre en la carátula porque tú siempre vas a estar ahí y cuando pones el nombre de un cantante ellos se levantan un poco y se creen que son la orquesta".
A finales de los años cincuenta fungió como timbalero designado en las orquestas de Tito Puente y Tito Rodríguez, de quienes confiesa haber aprendido "cómo hacer esa clase de música, aunque luego nuestra generación elaboró su propio sonido y estilo".
El artista asegura que nunca le interesó destacarse como solista en su propia orquesta, más se concentró en armar un sonido orquestal en la que los músicos lograran un desempeño honroso supeditado al patrón armónico de la pieza.
Uno de los momentos más duros de su carrera musical ocurre cuando lo desplazan de la dirección de la orquesta en el Club Caborrojeño porque, señala, en ese tiempo su mamá estaba muy enferma y necesitaba el trabajo.
La diferencia del tiempo de entrada de Gilberto Santa Rosa y Tony Vega a la orquesta fue de meses, igual que sus respectivas salidas.
Los éxitos "Lluvia" y "Botaron la pelota" no fueron considerados para incluirse en una producción discográfica, pero la reacción del público fue tan favorable que se decidió grabarlos.
Con la salida de Gilberto Santa Rosa también se produjo la partida de Jimmie Morales (conga), Tito Echevarría (bongó) y Mario Viera (coro).
Cuenta Willie Rosario que cuando Tony Vega abandonó la orquesta Junior Rosado, que estaba a cargo del sonido, completó la sección de coros cantando detrás de una cortina.
Tony Vega regresó al grupo al poco tiempo de su partida, aunque se trató de una presencia efímera.
La orquesta de Willie Rosario fue nominada a un premio "Grammy", en 1987, por su álbum "Nueva Cosecha", en el que cantan Gilberto Santa Rosa y Tony Vega, compitiendo con Mario Bauzá, Willie Colón y Rubén Blades.
La orquesta se mantiene vigente con la participación de los cantantes Canito Rodríguez ("El Canito de Sabana Seca"), Omar Negrón y David Anastacio.

Arquitecto de un sonido diferente
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
Fue en el año 1958 cuando el timbalero Willie Rosario se aventuró a crear su propia agrupación, una vez que el músico Johnnie Seguí, con quien trabajó desde 1953, decidió disolver su grupo para regresar a Puerto Rico.
En aquel momento, armó una banda con la mayor parte de los músicos de Seguí y se lanzó a "tocar en la calle", dando a conocer su proyecto en algunos de los más reconocidos salones de baile de la época, como el Casino Broadway y el Monte Carlo.
Willie Rosario acompañado de Silvestre Méndez (izq.) y Nelson Pinedo (der.) en el Teatro Puerto Rico de NY en 1955. (Colección Willie Rosario)
Su mejor momento, en cambio, lo logró como orquesta de planta en el Club Caborrojeño, ubicado en la calle 145 y Broadway, y en la que alternó con el grupo de Joe Valle por espacio de cuatro años.
"Cuando me dan el contrato en el Caborrojeño me exigieron que había que tener un cantante de mucha fama porque allí estaba Joe Valle que era una de las voces más privilegiadas que había en el ambiente. Yo acepté que fuera así porque lo que quería era tener la oportunidad de estar en el club, que era de los más visitados", asegura el artista, quien durante el periodo que permaneció en el club acompañó a figuras como Vitín Garay, Chivirico Dávila y Yayo El Indio.
Este último, que hasta ese momento figuraba sólo como una atracción especial del local, se integró a la orquesta de Willie Rosario tras la salida de Chivirico por diferencias con el propietario del club.
En 1962, Willie Rosario abandonó su participación en el Caborrojeño, alegando haber sido víctima de un "golpe de Estado".
"Al cabo de unos años de estar en el club, Yayo El Indio se empeñó en tener una orquesta y el dueño, como él era famoso, me sacó y me dejó sin trabajo. Ahí me fui a la calle a meterle el pecho de verdad al negocio y hago una (banda) nueva porque todos los músicos que tenía se quedaron en el club, excepto uno, el único honesto y decente: Bobby Valentín", comenta.
De esa manera, Willie Rosario inició una nueva etapa en su carrera armándose de una batería de músicos encabezada por Rudi Martin (piano), Izzy Feliú (bajo), Luis Rodríguez (conga), Bobby Valentín (trompeta), Eddy Snell (trompeta), Tony Cofresí (trompeta) y Frankie Figueroa (voz), y con quienes produce, en 1962, su primer disco, "El bravo soy yo".
Para entonces, el nombre del timbalero era reconocido en las lides musicales, no tan sólo por su rol de líder de orquesta, sino por su participación con el músico Herbie Mann y como miembro de la familia Alegre All Star, con quien participó en los discos "Way Out", "El Manicero" y "Perdido". También figuró en el disco "Salsa máxima", junto a Cesta All Star.
En 1964, produjo el disco "Fabulous and Fantastic", que incluyó, entre otros, los temas "Los generales de la capital", "A Villa Palmeras" y "Nos engañó la vida", interpretados por Frankie Rodrí-guez, seguido por "Latin Jazz Go-Go-Go" (1965), "Haida Huo" (1966) y "Boogaloo and Guaguancó" (1966), en los que se destacó como vocalista Paquito De Jesús, quien sustituyó a Frankie Rodríguez luego que éste se marchara a Puerto Rico para formar parte de la orquesta de César Concepción, para más tarde integrar las bandas de Nacho Rosales y Memo Salamanca, en México.
Innovó con su propuesta armónica
Una de las grandes aportaciones de Willie Rosario a la salsa fue la elaboración de una propuesta armónica novel, que a poco fue sellando su identidad sonora matizada por la combinación de cuatro trompetas y saxofón barítono, un experimento hasta entonces no explorado.
"Traté ser lo más original posible, con un estilo que nos distinguiera, por lo que pensé en añadir un violín, un clarinete y hasta un trombón, pero un día visite un salón de jazz en Nueva York, el Blue Note, y estaba tocando Jerry Moligan, que era un virtuoso del barítono, e hizo unos pasajes del piano, el bajo y el barítono en un tema de bossa nova que cuando lo oí supe que era lo que quería", comenta el veterano percusio-nista.
Desde entonces, la orquesta se distinguió por el uso del saxofón barítono en combinación con la armonía de cuatro trompetas provocando un sonido diferente y profundizando la esencia rítmica del grupo, concepto que se consignó en la producción del álbum "Too Too Much" (1967), en el que, además, reaparece la participación de Frankie Figueroa en la parte vocal, junto a Pete Bonet y Willie Torres.
El trabajo artístico de Willie Rosario prosiguió con la producción "El bravo de siempre" (1968), un trabajo que marcó una huella en la salsa con el éxito "La cuesta de la fama", en voz de Meñique Baltasnegras. Este álbum también incluyó "La esencia del guaguancó", "La realidad" y "Superman", entre otros.
En el año 1970, Willie Rosario reclutó al cantante Chamaco Rivera, quien es recordado por el éxito "De Barrio Obrero a la Quince", incluido en el álbum "De donde nace el ritmo" (1970), seguido por "Más ritmo" (1972), ambos con arreglos de Louis Ramírez y José Luis Cruz.
Estas producciones marcan la frontera para la transición del proyecto musical de Willie Rosario, quien a partir de ese momento optó por continuar su propuesta desde Puerto Rico, dejando atrás el mundo neoyorquino en el que se curtió.
Los años dorados de "Mr. Afinque"
Tras varias décadas vinculado al mundo musical latino de Estados Unidos, el timbalero Willie Rosario optó por radicarse en Puerto Rico, convirtiéndose en una de las figuras salseras más productivas y solicitadas de la década del 70 y 80.
Su opción de mudarse a la Isla, asegura, estuvo motivada por una combinación de factores familiares e intereses comerciales.
"Yo no quería que mis hijos se criaran en Nueva York, no me gustaba ese ambiente para ellos y prefería que crecieran aquí. Además, cada vez que me encontraba con la Sonora Ponceña y El Gran Combo me contaban que mi música se escuchaba mucho en Puerto Rico y que había mucho trabajo, entre fiestas patronales y graduaciones", sostiene.
De esa manera, el músico se instaló en su patria acompañado de su orquesta, y al cabo de unas semanas regresó a la "Gran Manzana" para cumplir con varios compromisos, momento en que su cantante, Chamaco Rivera, le indicó su interés de no regresar a la Isla, siendo reemplazado por Junior Toledo.
"Junior era el cantante nacido para la orquesta y es cuando nos levantamos bien y la cosa se puso fuerte", acota.
El primer trabajo de esta nueva era de la orquesta fue "Infinito" (1973), al que le siguió "Otra vez" (1975), consagrados por los éxitos "Juventud siglo 20" y "Casualidades", respectivamente.
A partir de ese momento, el veterano percusionista destacó en sus producciones discográficas a más de un cantante, incorporando la participación de Bobby Concepción y Guillo Rivera, con quienes produce "Gracias mundo" (1977).
Empero, las siguientes producciones de la orquesta, "From the Depth of my Brain" (1978) y "El rey del ritmo" (1979), no contaron con la participación de Concepción.
Diferencias entre Willie Rosario y Junior Toledo, que el líder de orquesta atribuye a problemas de disciplina, desembocaron en la salida del cantante, quien, dice Rosario, alentó la renuncia del grupo de su contraparte Guillo Rivera para desencajar lo que había sido hasta el momento una fórmula ganadora.
Justo en ese momento se incorporó en el grupo al joven cantante Tony Vega, que hasta entonces había participado en la orquesta de Raphy Leavitt y La Selecta.
"Junior (Toledo) y Guillo (Rivera) se van un jueves del grupo y al otro día estábamos tocando en Canóvanas. Llamé a Tony Vega y también me comuniqué con Bobby Concepción y Chamaco Rivera, que en esos días estaba en Puerto Rico, y así nos estuvimos defendiendo un par de semanas, hasta que le hablé a (Gilberto) Santa Rosa", cuenta el líder de la banda.
El primer álbum al mando de Tony Vega fue "El de a 20 de Willie" (1980), en el que también grabó Bobby Concepción y que logró éxito con el tema "Mi amigo el payaso". Luego, en 1981, la orquesta despuntó con el binomio Tony Vega y Gilberto Santa Rosa, en una periodo de cinco años colmado de fama y que se consignó en las producciones "The Portrait of a Salsa Man", "Atízame el fogón", "The Salsa Machine" –el último en el que participó Bobby Concepción–, "Nuevos Horizontes", "Afincando" y "Nueva cosecha", en el que se une como vocalista Pupy Cantor.
Esa fue la época gloriosa de "Botaron la pelota", "Lluvia", "Busca el ritmo", "Negrita linda" y "El antifaz", entre más de una decena de consabidos éxitos.
A partir de 1987, la salida de Tony Vega y Gilberto Santa Rosa maró un derrotero nuevo para la banda del también conocido "Mr. Afinque", quien mantuvo su proyecto musical con la participación de Pupy Cantor y Josué Rosado, para más adelante integrar a Primi Cruz (responsable del éxito de "Anuncio clasificado"), Bernie Pérez, Henry Santiago, Rico Walker y Ángel Luis Vergara.

Biografia: "Negrito Calaven"

Carlos Rafael Perdomo Yáñez…"Negrito Calaven" *29/02/1940 - 03/05/2003.

Nace en Caracas, es el segundo de nueve hermanos, Calaven demostró un gran talento musical a muy temprana edad. Se inicia en la música junto a sus amigos de infancia en el Barrio "Tiro al Blanco" en Caracas Cantando Boleros (Vendrán-Parece Mentira) y Después Descargando Su melodiosa Voz en nadie se Salva De La Rumba Y El Carbonero) pero con Federico fue que alcanzo gran popularidad a mediados de la década de los 60’, hizo numerosas presentaciones en vivo y en televisión en Venezuela, Curazao y Colombia. Poseía un estilo muy personal, influenciado por el liricismo, una gran diversidad rítmica lo cual hacia que fuera reconocido instantáneamente lo que lo llevo a ser calificado de innovativo y genial por unos y de radical e inusual por otros.Realizo sus primeras grabaciones con "Anguera y sus Muchachos".Participo en las agrupaciones “Los Kenya”, “Los Calvos” y “Los Dementes” dirigidos por el pianista Ray Pérez, “Pipo y sus Estrellas”, la orquesta "Los Caciques" dirigida por Leonardo Pedroza y “Las Estrellas Latinas” junto a Canelita Medina, Joe Ruiz y Carlin Rodríguez. En 1981 grabo con el pianista Jesús “Chuito” Narváez la producción “Calaven y Yo”. Calaven falleció en Caracas el 03/05/2003, dos anos después de haber sufrido un aneurisma cerebral. Aunque nunca recibió el reconocimiento que se merecía, es indudable su gran aporte al genero de la salsa en Venezuela, como lo demuestran las grabaciones que nos dejo, que aunque no numerosas son un testamento a su gran talento.

martes, 27 de octubre de 2009

Biografia: Mon Carrillo (Venezuela)

Mon Carrillo, destacado músico, arreglista y compositor, perteneciente a la generación de músicos de basta experiencia en la Parroquia San Agustín del Sur, es un personaje que sin tanto alarde y quizás tímidamente, ha puesto también su granito de arena para lograr el fortalecimiento de la salsa venezolana a lo largo de varias décadas.Su nombre de pila es Amalio Ramón Carrillo Rodríguez, nació en la Ciudad de Cabimas en el Estado Zulia, el 29 de Mayo de 1940. A penas a los 6 años de edad es trasladado junto a su familia a Caracas y se radican en San Agustín.Su inquietud y pasión por la música afrocubana lo llevan en el año 1957, a formar lo que sería su primera agrupación, un sexteto llamado “Perla Antillana”, en donde hacia las veces de director y al mismo tiempo ejecutaba el tres. En este grupo lo acompañaron también Nene Quintero (padre) y Ángel Ramírez entre otros.

Al comienzo de los años 60, participa en calidad de bajista de una de las agrupaciones más legendarias de su Parroquia, como lo eran “Frank y su Tribu”, dirigida por el recordado Frank Rengifo. "Cada vez que tengamos la oportunidad de nombrar a esta agrupación, insisteremos en decir que fue toda una escuela para varios músicos venezolanos que posteriormente se harían un nombre dentro del movimiento salsero nacional e internacional".

En el año 1973, Mon Carrillo, forma un pequeño grupo al cual le coloca el nombre de “Mon Carrillo y su Sexteto”, con este graba dos discos Lp, el primero de ellos titulado “Aquí esta el sabor”(1973), integrado por músicos del mismo barrio: Melquíades “Melchor” Torrealba (vocal), Ramón Gil (bongo), Luis “Nene” Quintero (timbal), José Urbano (bajo), Enrique Mijares (conga) y Mon Carrillo (piano, tres, director).


El segundo disco se titula simplemente “Mon Carrillo y su Sexteto”(1973), ambos discos fueron grabados casi que en forma simultanea y en ellos se puede evidenciar el verdadero sonido de la salsa dura del barrio. Solo hay que acotar que el segundo Lp, nunca salió a la venta en mercado venezolano, se especula que el mismo fue llevado a Colombia y editado bajo un sello discográfico de ese vecino país.


Después de haber experimentado con este sexteto, Mon Carrillo, decide formar un grupo más grande y es así como nace el Grupo Azúcar, en el que participaron buenos músicos como: Rafael Prado, Simón Blanco, Pedrito Guapacha, Juan Ramón Castro, Hugo Herrera, entre otros.


En 1976, es llamado a formar parte del naciente “Grupo Tres”, el cual estaba dirigido por Rafael Silva, quien junto a los cantantes Freddy “Coco” Ortega y Joe Ruiz, habían desertado de la orquesta del maestro Porfi Jiménez, para ensamblar dicha agrupación y de los tres sale el nombre de la orquesta. La permanencia del Grupo Tres en el ambiente salsero fue muy corta y logran grabar tan solo una producción para el disco, en donde Mon Carrillo se destaca en el piano.

En el año 1978, nace una excelente agrupación salsera en San Agustín del Sur, “La Orquesta Salsa Suprema”, esta estaba integrada por grandes músicos de la mencionada parroquia. El director, pianista y arreglista era Mon Carrillo, acompañado por un trío de cantantes: Larry Francia, Carlos Piñero y Cesar Francia. “La Salsa Suprema”, demostró gran calidad durante su permanencia en ambiente musical venezolano, grabaron dos Lp: “En la Conquista del mundo”(1979) y “Salsa Suprema”(1980), en este ultimo viene insertado uno de los temas más exitosos de la orquesta el son montuno titulado “Juana”, en la voz de Larry Francia.

La Orquesta Salsa Suprema, se desintegra en el año 1981, y todos los músicos que la conformaban, con la excepción del cantante Larry Francia, forman una nueva agrupación bautizándola con el nombre de “Orquesta Barlovento”, bajo la dirección y arreglos del mismo Mon Carrillo. Esta orquesta graba un disco, en el cual pegan el tema“Que pasa, Que pasa”, este era un numero en el que se notaba una fusión entre la salsa y el pop, y el mismo gusto mucho en ese momento.
1er. disco de la Orquesta Salsa Suprema

2do. disco de la Orquesta Salsa Suprema

1er. disco de la Orquesta Barlovento

Mon Carrillo, como lo hemos dicho al comienzo, humildemente y sin mucho alarde se ha destacado muy bien como instrumentista, arreglista y compositor. Actualmente sigue evidenciando estas facetas, ya que se encuentra en los preparativos de una nueva producción musical, con una gran banda de músicos a la cual bautizó con el nombre de “Grupo Experimental San Agustín”.

lunes, 26 de octubre de 2009

Biografia: Alfredo Padilla Maestro del Timbal


En Memoría al maestro del timbal Alfredo Padilla… *03/01/1946 - †18/12/2008*1946

Nace en la Ciudad de Caracas.Se inicia en el ambiente musical tocando el bongó con una agrupación muy popular en la Parroquia San Agustín de Sur para aquella época, llamada “Frank y su Tribu”, la misma que en aquel entonces dirigía Frank Rengifo.Frank Rengifo, ínsita a Padilla a tocar el timbal, y sin estudio alguno este comienza su aventura musical con este instrumento, hasta que un día Perucho Torcat le ofreció trabajo con la Sonora Tropicana, la cual dirigía el trombonista Eldy Toro. Con la Tropicana fue muy corta su estadía., ya que en el *1967 -Es llamado a formar parte de un grupo con jóvenes músicos algo excéntricos llamado “Los Dementes. Según el propio Alfredo Padilla, con los Dementes es que aprende a tocar el timbal, aunque de manera informal ya que para la época se le hacía bastante difícil prepararse académicamente. Es por eso que varios músicos de la época entre ellos Padilla, obstaron por el aprendizaje musical a distancia, observando a los músicos extranjeros que venían a tocar en nuestro patio. *1970 -Forma el Grupo Pan, junto a Carlos “Nené” Quintero, Jesús “Chú” Quintero, Carlos Guerra, Rubén Correa, Gustavo Colón, Henry Camba, David Azuaje y Cesar Monge. El Grupo Pan graba un disco en el cual se fusionaba el rock con los ritmos latinos. El Grupo Pan se disuelve y Alfredo se va a trabajar con la orquesta del Porfí Jiménez, en la cual se ve obligado a estudiar música, ya que en la misma todos eran verdaderos profesionales y había que entender el pentagrama. En poco tiempo y ha fuerza de constancia, Padilla se convierte en un músico muy solicitado, su fama se expande cada vez más, hasta tal punto que Frank “El Pavo” Hernández (Q.E.P.D), considerado para la época como una deidad musical y una de las fuentes inspiradoras de Padilla, requiere también de los servicios del mismo, para formar una banda. Más tarde entra a tocar con agrupaciones como las de los maestros Johnny Sedes y José “Cholo” Ortiz. Luego vendría su paso por la Orquesta Yacambú y el Grupo Tres y otras agrupaciones nacidas en el barrio como: "Salsa Dura".*1977 -Por recomendación de Miguelito Pacheco y Oscar Rojas entra en la Salsa Mayor de Oscar D’León, donde graba el timbal en las producciones “2 Sets con Oscar” y “El Oscar de la Salsa”. En tan solo un año con la agrupación del diablo de salsa, realiza infinidades de presentaciones tanto a nivel nacional como internacional, el éxito se hacía notar y las aspiraciones aún más. *1978 -siete de los músicos que conformaban la orquesta "Oscar D’León y su Salsa Mayor", deciden separarse de la misma, entre ellos se contaba Alfredo Padilla, quien junto Leo Pacheco, serían artífices principales para la formación de lo que fue una de las mejores bandas salseras nacidas en Venezuela, “Nuestra Orquesta La Salsa Mayor”. Según Padilla con esta orquesta logra obtener su mayor desarrollo como músico Alfredo Padilla fue el director musical de “Nuestra Orquesta La Salsa Mayor”, durante el tiempo en que esta gozo de más aceptación por el público, grabaron juntos cuatro discos, que reflejan el gran profesionalismo de un grupo de músicos Sin dejar a un lado el liderazgo de “Nuestra Orquesta la Salsa Mayor”, trabajó también con la Orquesta del maestro Billo Frometa. Más adelante realizó trabajos con la Banda Sigilosa, con la orquesta de Erick Franchesky y más recientemente con la Dimensión Latina, dirigida por el Sr. Luis Pérez. En el mes de Septiembre del año 2008, el maestro Padilla acompañado de un selecto grupo de músicos venezolanos y otros extranjeros, conforman la Orquesta Venezuelan Master, y dirigidos por el percusionista Gerardo Rosales viajan al Festival Toros y Salsa realizado en Francia, en donde recibieron una gran aceptación de parte del público que se dio cita en dicho evento. Alfredo Padilla, fallece en Caracas el 18 de Diciembre de 2008, producto de un paro respiratorio..


El músico salsero murió en su residencia víctima de un paro respiratorio. Padilla, timbalero y percusionista, tuvo una larga y destacada carrera musical en Caracas, haciendo parte de grupos pioneros de la salsa como Los Dementes, junto a Ray Pérez, y tocando con Perucho Torcat. Pero el punto más alto fue con La Salsa Mayor, orquesta que fundó con Oscar De León en 1976. Entre ese y el siguiente año grabó los discos Bajo y Todo, Oscar De León y su Salsa Mayor, y Dos Sets con Oscar, considerados los momentos más brillantes de la carrera del sonero. Cuando De León se retiró, Padilla asumió la responsabilidad de la agrupación y grabó los discos De Frente y Luchando, Sello de Garantía, Strong & Hot Sabrosa; además del trabajo titulado Nuestra Orquesta La Salsa Mayor, con Pellín Rodríguez, Carlos El Grande de Panamá y Leo Pacheco. Padilla colaboró también con La Orquesta Sigilosa (Siempre Pegando), y actualmente trabajaba con Gerardo Rosales y Las Leyendas de la Salsa Venezolana.

Venezuelan Masters Orchestra
Gerardo Rosales, Alfredo Padilla

Biografia: La Lupe Queen of Latin Soul

La Lupe es toda una leyenda de la música Latina en el continente Americano y el mundo.Es considerada una de las estrellas mas representativas del bolero en el ámbito Caribeño.Vivió entre la opulencia, los lujos, el derroche y la necesidad causada por la pobreza en gran medida.Fue estigmatizada por el presunto consumo de drogas y por el mundo de la santería hasta el punto de ser tildada de hechicera. Sufrió los dolores sicológicos del amor y del desamor de la ovación y de la indiferencia; y además sufrió los dolores físicos en su soledad, en los hospitales y casi en el abandono.


Cuenta la leyenda que La Lupe fue una cantante histriónica aficionada a las drogas y la santería que golpeaba a los músicos durante sus presentaciones. Además se dice que dilapidó su vida entre el alcohol, las drogas y el sexo y derrochó una inmensa fortuna hasta quedar en la ruina. Pero la también narra la historia que La Lupe actuó a mediados de los años 60 en el Carnegie Hall y en Broadway, tras lo cual los críticos musicales de Nueva York la eligieron como "la reina de la música latina". Cuatro décadas después, una cineasta cubana se propuso develar la verdad detrás del mito y el resultado es la cinta La Lupe Queen of Latin Soul.



Lupe (en ningún momento Guadalupe como algunos han escrito) Lupe Victoria Yoli Raymond nace en San Pedrito, un pueblo de la provincia de Santiago de Cuba el 23 de diciembre de 1936, en el hogar conformado por su padre Tirso, su madre Paula y sus hermanos Norma y Tirso Rafael. Con respecto a su nombre se ha especulado mucho, algunos la nombran Guadalupe Victoria, otros Victoria Guadalupe, el libro Desmitificación de una Diva, de Juan A. Moreno Velásquez afirma que su nombre es realmente Lupe Victoria Yoli Raymond. Se dice que La Lupe de niña siempre quiso ser cantante, a pesar de la negativa de su padre quien siempre quiso que fuera maestra. La Lupe en sus comienzos Imitaba a las cantantes Olga Guillot, Lola Flores y Celia Cruz. De la misma manera como lo hizo Celia Cruz, La Lupe Asistió a un concurso de aficionados en una emisora radial de Santiago sin el consentimiento de su padre, quien se enteró por la radio del concurso al oirla cantar. Había viajado un largo camino a pie para llegar al concurso, al momento de participar se encontraba descalza por los dolores que le producían los zapatos y así canto y logro el primer puesto por su sensacional imitación de una canción de Olga Guillot. Luego de ganar el concurso aficionado La Lupe consiguió el consentimiento de su padre para dedicarse al canto. En 1955 se traslada a La Habana con su familia para adelantar sus estudios. Después de su llegada a la capital Cubana acompañada de su familia, La Lupe Se graduó como maestra en La Escuela Normal de La Habana en 1958. Sin embargo su mayor deseo era adelantar su carrera artística que prácticamente inicia ése mismo año cuando conoció a un músico llamado Eulogio Yoyo Reyes Mesías, quien quedó impresionado con ella desde que la vio no solo por su talento sino también por que le pareció una mujer bella e interesante; La Lupe y Eulogio empezaron a trabajar juntos, poco después se casaron y conformaron musicalmente el trío Los Tropicubas en el que se incluyó a una cantante conocida como Nancy. La historia de amor de La Lupe terminaría por infidelidades y porte de drogas de la artista. Lupe Victoria se separa de su esposo el músico Eulogio Yoyo Reyes con quién había dado inicio a su carrera musical y se convierte en solista. Así Inicia su exitosa trayectoria musical en el cabaret La Red de La Habana, donde el público la recibió con los brazos abiertos y la convirtió en figura y dama de la noche. El periodista de farándula Rafael Caselin del periódico El País escribió en la época un artículo de primera página en el que por primera vez la llamaban La Lupe con apenas 22 años. En 1960 La Lupe recibe el Disco de Oro de la Popularidad por parte de la RCA Víctor. En enero de 1962 La Lupe abandona Cuba por mandato del gobierno de Fidel Castro y se mudó a los Estados Unidos, primero a Miami y luego a Nueva York. Actuó por primera vez en el cabaret La Barraca que era propiedad de ciudadanos cubanos. En 1963 conoció al percusionista Cubano Ramón Mongo Santamaría una de las estrellas del Latin Jazz con quien posteriormente grabó algunos temas. La Lupe se contrajo matrimonio nuevamente a finales de 1964 con Willie García, joven cantante de las orquestas de Ray Barreto y Joe Cuba, con quien vocalizo temas como “Mujer Divina” y “Cuenta Bien Cuenta Bien”. Para 1965 ya se conocía a La Lupe como La Reina de la canción Latina y en ese entonces inicia sus grabaciones con Tito Puente, de su primer álbum se destaca el tema “Que te pedí”. El 20 de mayo de 1966 se presenta por primera vez en el Carnegie Hall en el segundo Festival Cubano con la Orquesta de Tito Puente, al lado de figuras como Miguelito Valdés, Celia Cruz y La Sonora Matancera, Belisario López, La Orquesta Broadway y Machito entre muchos otros. La Lupe rompió relaciones artísticas con Tito Puente por primera vez en 1967 debido entre otras cosas al difícil temperamento de la cantante y su vida poco organizada. El 14 de junio de 1970 La Lupe repitió la hazaña que pocos artistas han logrado, dar un magno concierto en el Carnegie Hall. El día 14 de octubre se estrena un nuevo disco titulado Definitivamente, La Yiyiyi, nombre con el que también se le conoce. Por tercera vez La Lupe llena el Carnegie Hall, esta vez el 17 de septiembre de 1971, para ese entonces la santería la golpeaba demasiado y representaba la fuente de ingresos para su familia y muchos de sus allegados, por lo que se alejaba temporalmente de los escenarios. Después de ocho años de matrimonio La Lupe se separa de Willie García, una vez más por su repetida adicción a las drogas. En 1974 La Lupe se presenta por última vez en una de las grandes salas de concierto en Nueva York, esta vez al lado de Tito Puente en el concierto de Tico- Alegre All Stars interpretando el bembé titulado Changó. También para finales de ese año grabó un disco titulado: Un encuentro con la Lupe al lado de Tite Curet. Por ésta misma época Morris Levy dueño de las compañías Tico y Alegre vendió sus sellos a Jerry Masucci, propietario de Fania y quien ya había adquirido el sello Cotique y así la artista pasó a ser de la nómina de Masucci y por lo tanto su música también. En 1977 bajo la dirección rígida de Jerry Masucci y casi sin ninguna opción, La Lupe debió someterse a la voluntad del empresario de la música grabando el álbum “La Pareja” en el cual La Yiyiyi ya no presentaba el mismo sentimiento. La decadencia de La reina de la música Latina era evidente, además se perfilaba una nueva reina llamada Celia Cruz, quien contaba de todo el apoyo del emporio Fania. En 1980 se realizó la última grabación de La Lupe con la producción del vibrafonista Louie Ramírez, se dice que musicalmente es una de las mejores grabaciones de la Lupe reafirmando lo que siempre fue como cantante.

Aquejada por los continuos dolores asistió a un templo pentecostal del Bronx a orar en una ceremonia de sanación; lo que ocurrió allí se considero un milagro: Lupe fue trasladada al área donde estaban los enfermos, iban a recibir las bendiciones. Tenía miedo dice Lupe en su testimonio, me llevaron con los inválidos y de repente sentí un pánico interior. Había miles de personas allí, por primera vez sentí temor de una multitud. El reverendo me preguntó que tenía y le conté. Me puso la mano en la frente y caí de espaldas en la tarima. Estuve en el suelo un rato y cuando me preguntaron como me sentía me levante y me puse a dar saltos y acorre. Jesús me dió una nueva columna, una nueva espalda, y entonces me pude deshacer de la silla de ruedas. Yo había pensado suicidarme y si no lo hice fue porque no encontré como. Ya no tenía mi mansión, ni mis autos, ni mi dinero, ni mis visiones, y lo que ahora tenía no se podía medir en términos humanos. Cristo es el único camino, sólo su energía nos puede salvar de las tinieblas.
A partir de ese momento La Lupe sufrió una transformación total. Empezó a leer la Biblia y a estudiar las escrituras. Cantó para su congregación y rechazó ofertas millonarias. Por encima de todo, Lupe había encontrado la felicidad; y ante sus propios ojos era la mujer más rica del planeta.
El 29 de febrero de 1.992 Lupe Victoria Yoli Raymond falleció de un ataque cardíaco mientras dormía,




domingo, 25 de octubre de 2009

Biografia: Fania All Star

Los All-Stars fue la orquesta principal de Fania Records, compuesta de los principales lideres de banda, músicos, y vocalistas de ese sello. La historia de la banda representa la ascensión y difusión de la salsa como etiqueta comercial para la música latina. El comienzo de la banda fue un evento promocional con varios artistas bien conocidos, incluyendo a Tito Puente de Tico Records y Eddie Palmieri, Ricardo Ray, y Bobby Cruz de Alegre Records. Dos de las grabaciones de la Fania All Stars: “Live At The Red Garter”, volúmenes 1 y 2 fueron estrenadas, pero ninguna de las dos se vendieron muy bien. Típico del sonido clásico es Echale Salsita.
En el 1971 el segundo concierto de la Fania All Star fue grabada y filmada en vivo, resultando en los Volúmenes 1 y 2 de la “Fania All Stars Live at the Cheetah.” Esta grabación se convirtió en el álbum latino mas vendido por un grupo grabado en un solo concierto.
Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago, y Panamá, la Fania All Stars hicieron su primera representación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de Agosto, 1973, con sus lumbreras principales: Ray Barretto, Willie Colón, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín y otros que gozaban con Manu Dibango, Mongo Santamaría, y Jorge Santana (hermano menor de Carlos Santana). Antes del evento, fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron los Beatles en los primeros años del los sesenta y Woodstock en el 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium de Agosto 1973, y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico, constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).
En el 1974, la representación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa, Zaire también fue grabada por Gast y estrenada como la película “Live In Africa” - 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el titulo “Salsa Madness”, en el 1991). Esta representación Zaireña ocurrió en el festival de música que se llevo acabo en combinación con la pelea titular de peso alto entre Mohammed Ali y George Forman. La Fania All Star compartió la misma tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos que también tuvieron la oportunidad de interpretar sus canciones.
La Fania All Star volvió al Yankee Stadium en el 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados “Live At Yankee Stadium” (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de La Fania y Vaya Records cuales incluían a Celia Cruz, Hector Lavoe, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Pete “El Conde” Rodríguez, Bobby Cruz, y Santos Colon.
En la búsqueda de La Fania por un mercado más amplio para la Salsa, hicieron un negocio con Columbia Records para grabar una serie de álbums con la intención de cruzar géneros musicales Norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Roena, Nicky Marrero, y Papo Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia Records en los EE.UU. y Island Records en el Reino Unido. Para ese tiempo, Island Records en el Reino Unido estreno la colección musical de la Fania titulada Salsa!, y Live, también grabado por la Fania All Stars.En el 1976 la Fania All Stars realizaron su única representación en el Reino Unido con un memorable concierto, cual fue completamente vendido, en Lyceum Ballroom de Londres, con Steve Winwood como invitado especial.El ultimo álbum regular de la Fania All Stars, dos años antes del estreno de “Delicate & Jumpy”, fue el sólido Tribute to Tito Rodríguez, que introdujo a Rubén Blades a los All Stars. La serie de Columbia Records, que continuaba con poco éxito, estreno el LP Rythm Machine, integrado otra vez con la sección rítmica de la Fania All Stars, el pianista Bob James (productor ejecutivo) y el guitarrista invitado Eric Galé; y también Spanish Fever (1978), con los invitados Maynard Ferguson, Hubert Laws, David Sanborn, Galé, y otros más.El 1978 también vio el estreno de Live, un álbum “regular” de La Fania All Stars producida por Fania Records, con una versión completa de la orquesta grabada en concierto en el Madison Square Garden de Nueva York en Septiembre de ese mismo año. La ultima grabación de la serie con Columbia Records, “Crossover”, fue estrenada el siguiente año, tal como fue Havana Jam por Fania, que vino de un concierto histórico grabado en Marzo 3, 1979 en La Habana, Cuba, representado por los All Stars junto a Billy Joel, Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Stephen Stills y Weather Report, y también incluyendo a las bandas Cubanas Irakere y Orquesta Aragón.Empezando en el 1980, La Fania empezó a disminuir en popularidad, lo cual fue atribuido a una película que fracaso comercialmente, quejas por parte de los músicos por falta de recompensas, y el fracaso de los tratos de distribución con Colombia y Atlantic Records de lanzar la salsa al mercado convencional Norteamericano como lo fue anticipado. Además, la escena salsera de Nueva York, al la cual Fania Records estaba inextricablemente unida, fue eclipsada por el Merengue Dominicano en la primera mitad de la década, y después por el impulso Boricua de la salsa romántica que se hizo de moda en los últimos años de los ‘80 y a los principios de los ‘90.Reflejando el deterioro de la compañía, los estrenos de la Fania All Stars disminuyeron casi por completo ya para los últimos anos de los 80. Sus LP’s entre el 1980 y 1989 incluyeron un intento al Jazz Latino, titulado California Jam, y el particularmente débil Guasasa; en el 1981 estrenaron su LP Social Change, con los músicos invitados Steel Pulse y Gato Barbieri, que resulto en otro fracasado intento de cruzar géneros musicales; Bamboleo en el 1988 el cual incluía la interpretación de cuatro éxitos de los Gypsy Kings “salsificadas”; y también los mas robustos Commitment, Latin Connection, Lo Que Pide La Gente y Viva La Charanga.
Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estreno en el 1986, “Live in Africa”, grabado en Zaire en el 1974, y “Live in Japan”, grabado en el Japon en el 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de tres ciudades (San Juan, Miami, y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.

Integrantes de las Estrellas de Fania


Héctor Lavoe (voz)
Cheo Feliciano (voz y maracas)
Ismael Miranda (voz y maracas)
Adalberto Santiago (voz)
Pete "El Conde" Rodríguez (voz, güiro)
Santos Colón (voz)
Bobby Cruz (voz)
Ismael Quintana (voz)
Celia Cruz (voz)
Ismael Rivera (voz)
Justo Betancourt (voz)
Rubén Blades (voz)
Hector Zarzuela (trompeta)
Roberto Rodríguez (trompeta)
Larry Spencer (trompeta)
Wilfrido Vargas (voz —canta el tema "El Barbarzo" en un medley con Héctor Lavoe en el disco Havana Jam—)
Barry Rodgers (trombón)
Reinaldo Jorge (trombón)
Willie Colón (voz y trombón)
Larry Harlow (piano)
Ricardo Ray (piano)
Papo Lucca (piano)
Eddie Palmieri (piano)
Ray Barreto (congas)
Mongo Santamaría (congas)
Eddy Montalvo (congas)
Willy Romero (congas)
Johnny "Dandy" Rodríguez Jr (congas)
Milton Cardona (congas)
Orestes Vilató (timbales)
Nicky Marrero (timbales)
Roberto Roena (bongós)
Bobby Valentín (bajo)
Salvador Cuevas (bajo)
Pupy Legarreta (violín)
Alfredo de la Fé (violín)
Yomo Toro (cuatro, tres y guitarra)
Johnny Pacheco (flauta y director musical)
Tito Puente (timbales, batería)
Joe Bataan
José 'Monguito' Santamaria (primera voz del grupo en 1964 y piano)
Louie Ramirez (vibráfono)
Jimmy Sabater
Luis Alberto "Toto" Rivero Ascanio de Venezuela (copista de bongo y timbal)


Discografía
Live (en vivo)
Live at the Red Garter, Vol. 1 (Fania, 1968)
Live at the Red Garter, Vol. 2 (Fania, 1969)
Live at the Cheetah, Vol. 1 (Fania, 1972)
Live at the Cheetah, Vol. 2 (Fania, 1972)
Fania All Stars, San Juan 73 (Fania, 1973)
Latin-Soul-Rock (Fania, 1974)
Fania All-Stars (Island, 1975)
Live at Yankee Stadium, Vol. 1 (Fania, 1976)
Live at Yankee Stadium, Vol. 2 (Fania, 1976)
Live (Fania, 1978)
Habana Jam (Fania, 1979)
Fania All-Stars in Japan (Fania, 1976)
Live in Africa (Fania, 1986)
Live in Puerto Rico (Fania, 1995)
Viva Colombia (Fania, 1997)


Álbumes de estudio
A Tribute to Tito Rodriguez (Fania, 1976)
Delicate and Jumpy (Columbia, 1976)
Rhythm Machine (Columbia, 1977)
Spanish Fever (CBS, 1978)
Cross Over (CBS, 1979)
California Jam (Música Latina, 1980)
Commitment (FNA, 1980)
Latin Connection (Fania, 1981)
Social Change (Fania, 1981)
Lo que pide la gente (StyllaPhone, 1984)
Viva la charanga (Sterns, 1986)
Bamboleo (Caliente, 1988)
Guasasa (Fania, 1989)
Bravo 97 (Sony International, 1997)


Filmografía en DVD
Our Latin Thing (Nuestra Cosa Latina)
Salsa (Fania, 1974)
In Africa (Fania, 1993)
Live (Fania, 1995)